Londres não é o que você pensa. Ou pelo menos não o que eu pensei que fosse. Mudei-me dos Estados Unidos para cá em 2016 e fiquei chocado ao descobrir que nem sempre chove. Mas não é assim. Está pingando. É cinza. O clima é ameno o ano todo, mas também é estranhamente quente e perfumado. Esses maus hábitos pioram com a chegada do outono (desculpe, “outono”).
À medida que entramos nas sombras incolores da temporada de inverno, após nosso abençoado verão de uma semana, as luzes de néon cintilantes do British Film Institute, pairando graciosamente sobre o rio Tâmisa, são um conforto sem fim. O BFI fica em Southbank, não muito longe do brilho cabochão do Mercado de Inverno, que florescerá como uma flor de metal brilhante em novembro.
Então, recorremos ao BFI para nos salvar. Bem, eu quero. Não há nada melhor que eu possa imaginar do que sentar em uma velha cadeira de cinema enquanto as coisas esperam pacientemente lá fora. O Festival de Cinema de Londres deste ano é a desculpa perfeita para fazer isso repetidamente, dia após dia, a partir de hoje.
Ajuda que os cinemas exibam filmes que já chamam minha atenção antes mesmo de eu ver um único quadro. Tomemos como exemplo “Blitz”, o novo filme de Steve McQueen sobre como foi para o povo britânico durante a Segunda Guerra Mundial. (Ao contrário do que aprendi na escola, aparentemente a guerra não começou com o ataque a Pearl Harbor.)
McQueen despencou depois que seu documento COVID / nazista de quatro horas, “Occupied City”, inspirou uma mistura de elogios e reações adversas no ano passado, mas ela parece ter retornado à sua história com este episódio histórico. O excelente elenco de “Blitz” é liderado por Saoirse Ronan, que por acaso está na mesma peça de Old Vic que Tom Stoppard. A coisa real que eu estava na outra noite. Tenho certeza que você escreve sobre me ver lá também.
Qualquer pessoa que tenha acompanhado meus escritos neste site ou em outro lugar provavelmente já sabe que sou fanático por animação. Foi nisso que me concentrei na escola e é assim que gosto de pensar que sonhei. Adoro tanto que todas as manhãs sou acordado e brindado por um estande de Rube Goldberg desenhado pelo próprio Wallace. Pergunte ao meu parceiro, ele lhe dirá que é verdade.
Também adoro o trabalho de Morgan Neville, o roteirista de “Twenty Feet from Stardom” e “Won’t You Be My Neighbor?” Então, embora eu não saiba por que ele fez um “Piece by Piece” sobre o cantor Pharrell Williams no estilo de “The Lego Movie” – ou mesmo por que Pharrell é a próxima escolha de Neville depois de fazer covers de divas negligenciadas e Fred Rogers incomparáveis – eu sou. querendo ver para onde você está levando.
Não é sempre que vejo a biologia explorada na tela. Não é nem mesmo o tipo de biologia com a qual estou familiarizado: cultura celular, armadilhas de fluxo laminar, três trilhões de tubos minúsculos com um líquido claro que deveria ter sido melhor rotulado ou vários meses de trabalho de drenagem. Por isso, fiquei satisfeito em ver que, juntamente com “Blitz”, a LFF também apresentará a estreia mundial de “Joy”, de Ben Taylor: a verdadeira história de como uma enfermeira, um cientista e um cirurgião trabalham juntos para mudar a opinião pública e mover adiante com um milagre. isto é a fertilização in vitro (FIV). James Norton, Thomasin McKenzie e o descontraído Bill Nighy estão prontos para formar uma equipe corajosa. Não tenho dúvidas de que isso realizará meu sonho de assistir a um protocolo de quatro horas se desenrolar em uma tela cheia de luz de 9 metros em tempo real, sem nenhum daquele incômodo drama humano para atrapalhar.
Todo ano Andrea Arnold lança um filme, me sinto tão mal por todos. Arnold é um dos cineastas mais incríveis que existe. Seu incrível senso de beleza cinematográfica permeia e ilumina todos os tipos de suas histórias, seja a proporção do Instagram do fugaz “American Honey” ou o mundo escuro e azul de “Fish Tank”. Arnold é único em sua capacidade de capturar a vida daqueles que pairam à margem da sociedade e existem em seu coração. Ele dá vida aos procedimentos com um apurado senso de ritmo e música; Quase desmaiei com “American Honey” quando a vi pela primeira vez, anos atrás, sua melodia ainda fazia cócegas em meus membros.
Depois de se aventurar no documentário “The Cow”, ele está de volta com “The Bird”: uma “história de maioridade” que promete “magia realista”, de acordo com o resumo de Leigh Singer no guia da LFF. “The Bird” apresenta Nykiya Adams em seu primeiro papel principal, apoiada por ninguém menos que Barry Keoghan. Estou dizendo tudo isso para ter certeza de que você viu, mas na verdade estava parando em “Andrea Arnold”.
Uma discussão sobre dramas britânicos de pia de cozinha não chegaria a lugar nenhum se não discutíssemos o lendário Mike Leigh, que se ainda estivesse associado ao gênero seria um tapa. “Hard Truths” é seu primeiro filme em 14 anos (após a entrada histórica em “Mr. Turner” e “Peterloo”). O filme é estrelado por Michele Austin e Marianne Jean-Baptiste como irmãs que trabalham em seu relacionamento diante do ataque implacável da vida em The Big Smoke.
Junto com Leigh, estou animado para ver o diretor de “The Florida Project”, Sean Baker, retornar com “Anora”, um filme sobre uma trabalhadora do sexo cuja história de amor a leva a resolver os problemas de uma família rica. O sempre perspicaz Baker não é convencional e muitas vezes ilumina onde é necessário. Parece que sua história voltada para a classe dará uma nova camada de tinta àquela velha história de compatriotas.
Sou ingênuo e – correndo o risco de soar como todo americano da Costa Leste – um pouco irlandês (juro que sou Murphy), então foi difícil ignorar a estreia de “Four Moms”. A história de Darren Thornton sobre um menino irlandês chamado Edward que lida com as necessidades de sua mãe e de amigos de amigos parece uma deliciosa mistura de travessuras para todas as gerações. Admito que não estou familiarizado com o trabalho anterior de Thornton, mas se o filme consegue capturar um pouco daquele senso irlandês de equilíbrio entre as emoções, este parece que pode ser um grande sucesso.
O programa LFF deste ano está repleto de contribuições de todo o mundo. Para citar alguns exemplos: “Dahomey”, de Mati Diop, um documentário que explora o colonialismo francês no Benin; Madeleine Hunt-Erlich, da Martinica, que entra em cena com o drama familiar feminino “A Balada de Suzanne Césaire”; e “Oito Postais da Utopia”, de Radu Jude, um filme baseado em cartazes romenos que aparecem após a derrubada do regime comunista no país. Muitos outros ainda vêm do interior do Japão, Brasil, República Dominicana, Congo e outros lugares, mostrando o compromisso do organizador do festival em ir além da América e da Europa.
À medida que nos aproximamos do fim e mal arranhamos a superfície, não posso deixar de gritar um monte de filmes de animação que estou incrivelmente animado para ver. Provavelmente isso é trapaça, mas começarei destacando a restauração em 4K da obra-prima de Martin Rosen de 1978, “Watership Down”. Foi um filme que eu nunca tive a oportunidade de ver até algumas semanas atrás, em um dos primeiros shows da LFF, e agora não consigo parar de pregar sobre o filme da guerra dos coelhos para todos que conheço.
Além dos clássicos, há um filme letão sem título, “Flow”, de Gints Zilbalodis, que segue animais tentando permanecer vivos e flutuar, sobre os quais ouvi elogios. No Japão, Naoko Yamada traz sua primeira história sobre internato, auras coloridas e bandas de garagem no brilhante “The Colors Within”. A técnica mista de Tomás Pinchardo Espaillat, “Olivia & the Clouds”, parece particularmente interessante, pois combina “vários estilos de animação” para explorar “o relacionamento de uma mulher”, de acordo com a sinopse da LFF de Diana Cipriano.
Os sérios Quay Brothers também estão de volta e pretendem nos surpreender com seu mais recente projeto, “Sanatorium Under the Sign of the Hourglass”. Mas talvez o que mais me entusiasma seja o regresso de outros dois virtuosos do stop motion: o francês Claude Barras e o australiano Adam Elliot. Barras está de volta depois de seu sucesso de bilheteria de 2017, “My Life Like a Zucchini”, com “Savages”, um filme estrelado por um orangotango e uma garotinha que foca no tema gentil e não deprimente do desmatamento. Subindo do fundo, Elliot retorna com sua continuação da tragédia épica “Mary and Max”, “Memoir of a Snail”. O filme da década de 1970 gira em torno da história de gêmeos separados na infância.
Para quem não conhece o trabalho de Barras e Elliot, não posso deixar de enfatizar que cada um deles parece querer arrancar o coração de quem vê seus filmes. Mas minha gente: estou aqui porque. É para isso que servem os filmes.
Então, veja bem, pode ser que o verão dure apenas uma semana na Inglaterra. É a maldição desta ilha sem sol. Mas também acontece que o Festival de Cinema de Londres do BFI dura uma semana e meia. Isso é mais meia semana inteira! Por que estamos chorando?
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