No Festival de Cinema de Chicago deste ano, notei uma conexão proeminente entre as histórias íntimas de família na minha lista de observação. Como filha mais nova e irmã mais nova de dois irmãos mais velhos, admito que os assuntos domésticos nos quais me concentro são geralmente os que consigo ver. Porém, no festival deste ano, fiquei profundamente comovido com as histórias dos filhos. Isso me lembrou de uma frase que me acompanha há anos: “Ver uma pessoa com seus pais é um lembrete tangível de que somos todos um composto” (Iain Reid, Estou pensando em acabar com as coisas). A questão que esta afirmação levanta é quais peças do quebra-cabeça dos pais se encaixam, quais não e por quê. Os filmes que apresento neste post exploram essas ideias ao testemunharem para filhos e pais (ou figuras paternas) como eles colidem no amor, na competição, no orgulho e na fala.
David Fortune fez seu primeiro longa-metragem “Livro para colorir,” uma história lenta e comovente de pai e filho em Atlanta, Geórgia. O diferencial deste filme é a resistência, não apenas pelo ritmo, mas pelos próprios métodos de sua história.
Lucky (Will Catlett, que também tem um papel de pai semelhante no homônimo “Mil e Um”) acaba de perder sua esposa em um acidente de carro. Agora pai solteiro, ele precisa equilibrar as horas do dia entre cuidar de seu filho Mason (Jeremiah Daniels), que tem Síndrome de Down, e lidar com uma perda repentina. A balança desta tarefa está desequilibrada, e Lucky coloca Mason em primeiro lugar, acima de tudo, usando o amor paterno para mascarar sua dor enquanto a dor e a frustração se espalham. Na tentativa de trazer um pouco de luz aos seus dias, Lucky quer levar Mason ao seu primeiro jogo de beisebol. Esta viagem, com carros ruins, transporte público e trânsito de pedestres, é mostrada no “Livro para Colorir” com incrível cuidado e compaixão.
Fiquei impressionado com a sensação do “Livro para colorir”. Trata-se de criar uma narrativa composta de momentos menores, em vez de um quadro geral ou uma história abrangente. Este tédio bem-vindo abre a porta para absorver totalmente seus personagens, assim como a bela fotografia em preto e branco e as instalações detalhadas que compõem seu espaço de visualização. A atuação de Catlett é suave e sensual, assim como a química palpável entre ela e Daniels. Com uma trilha sonora diegética alta (há apenas uma música bem escolhida) e os efeitos suaves e sutis do filme, Fortune faz com que o espectador não seja nem mesmo uma mosca na parede, mas um anjo da guarda sentado na família. Esta proximidade é a maior força de “O Livro para Colorir”, que traz muita emoção a um espaço intimamente familiar.
Outra estreia em longa-metragem, de Jason Park “Transplante” foi descrito pelo festival como um cruzamento perfeito entre “Whiplash” e “Grey’s Anatomy”. O filme encontra um protegido do primeiro, mas felizmente carece do melodrama do último. Jonah (Eric Nam) é um cirurgião residente. Irritado com o bom ensino de seu cirurgião, ele quer esconder o Dr. Em vez disso, Harmon (um perturbador Bill Camp), o mestre do hospital, mas notoriamente cruel, especialista em transplante de coração. Jonah espera ter sucesso sob treinamento rigoroso, mas como as expectativas do Dr. As pressões, pedidos e segredos potenciais de Harmon vêm à tona, os meios de seus desejos são testados.
Jonah está focado, mas compassivo. Ele prioriza seus objetivos como cirurgião sem abrir mão do grande amor que tem pela mãe (Michelle Lee). O estudo do personagem de Jonah por Park é bem elaborado, deixando o suficiente no filme para acionar o show pós-créditos. O mesmo não se pode dizer do Dr. Harmon, que ultrapassa os limites do mal caricatural (e inclui o despejo de informações na forma de um monólogo). Dr. Harmon atende à empatia, ao desejo sincero e ao cuidado da família de Jonah com uma explosão completa de empatia, tornando a tensão entre os dois a peça central do filme.
No entanto, o sucesso de Park em “Transplant” é a sua capacidade de criar um tom variado, mas equilibrado, ao longo da história. O relacionamento de Jonah com sua mãe equilibra o difícil ambiente clínico do hospital com um calor comovente. Enquanto isso, a ausência de seu falecido pai é sentida em seu quase irado senso de competição, e o pai transplantado, Dr. Harmon se torna. A ideia do que significa (ou talvez o que é necessário) passar a tocha pessoal e profissionalmente é explorada com maestria e, ao justapor essas figuras, o emprego de um motivo musical clássico versus jazz adiciona uma vantagem cinética que lança o filme em balanço total. .
O “Transplante” de Park é uma história convincente que, em última análise, é apresentada em uma lousa em branco. O roteiro poderia ter deixado muitas coisas por dizer, reduzindo o impacto das camadas pretendidas ao escrever momentos importantes.
Jan Willem van Ewijk “Alfa” tem um conflito significativo quando comparado ao “Transplante” de Park. O interior frio do hospital é trocado pelos impiedosos e nevados Alpes Suíços, e a mãe viúva torna-se pai viúvo.
Rein (Reinout Scholten van Aschat) passa a maior parte de seus dias nas montanhas, seja dando aulas de snowboard para crianças ou descendo as encostas com seus amigos. Quando seu pai, Gijs (o verdadeiro pai do ator, Gijs Scholten van Aschat) vem visitá-lo, seu forte relacionamento, marcado pelo ressentimento e pela dor reprimida, chega ao auge nas montanhas implacáveis que os cercam.
O universo de Van Ewijk é maravilhosamente construído, já que a mãe natureza ocupa um lugar igual no triângulo de conflito do filme. Fotos extremamente amplas dão uma sensação de vazio entre a neve, o que transforma a beleza da natureza em um catalisador para a guerra familiar. O horror das montanhas, o poder iminente e assustador sobre as pequenas figuras que as atravessam, cria tensão desde a introdução do filme. Igualmente frustrante, porém, é a presença de Gijs, que para Rein parece mais onipresente e opressivo do que a paisagem.
O roteiro deste filme retrata da melhor forma o estresse do relacionamento entre pais e filhos. Nos momentos que parecem inocentes para os amigos ele tem vontade de vencer Reis. Isso acende completamente a frustração comum de ver um membro da família encantar as pessoas ao seu redor enquanto dá golpes invisíveis em quem está fora do relacionamento. A química filho-filho de Scholten van Aschats está em plena exibição em “Alpha”. Em uma cena extremamente emocionante, eles sentam-se no topo de uma montanha em silêncio, com Rein em um acesso de raiva e seu pai falando insultos, dando a impressão de uma alma morta.
“Alpha” escolhe cuidadosamente o seu diálogo, e os momentos de silêncio têm o mesmo peso que os pequenos comentários, que se sentem reduzidos pelo sentido íntimo da taquigrafia doméstica. O nosso papel como voyeurs na sua história é reforçado, à medida que somos colocados na posição de observador, captando vislumbres do seu conflito enquanto sentimos que os detalhes não são nossos.
O filme afirma fortemente o sentimento de desespero que acompanha o conflito familiar, ao mesmo tempo que nos pede para olharmos para o quadro geral. “Alfa”, com grandeza e subversão, enfatiza o peso da família e as falhas da humanidade como um todo. Aquecendo-se no frio, seja pela compaixão da possível redenção ou pelo fogo interior de suas diferenças, ele impressiona tanto como um drama familiar quanto como um conto épico de natureza selvagem.
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