No final de “Howl’s Moving Castle”, do visual deslumbrante de Hayao Miyazaki, Howl’s Moving Castle intitulado Howl grita de uma dor repentina no peito. A personagem principal, Sophie, de forma sucinta, mas alegre, responde: “O coração é um fardo pesado”.
A pungência desta linha mostra a capacidade de Miyazaki de cativar os espectadores com arte impressionante e histórias tortuosas que nos transportam para outros mundos ao mesmo tempo que instilam emoções humanas reais. Esses personagens experimentam todos os tipos de coisas estranhas. Eles enfrentam a feitiçaria do egoísmo e comem estrelas cadentes; eles viram a transformação do príncipe amaldiçoado de volta em humano pelo poder do amor. “Uivo”, como a maioria dos filmes de Miyazaki, é baseado no elemento humano de cuidar dos outros. É central para a mensagem do filme e está relacionado ao desempenho incansável de Miyazaki. Isto é especialmente verdadeiro em seus últimos trabalhos, onde ideias de arte, beleza e morte se unem por meio da associação de memórias, visões e sonhos. “The Wind Rises”, “The Boy and the Queen” e o recente documentário “Hayao Miyazaki and the Heron” sugerem um diretor cujas prioridades mudaram. No entanto, entre o antigo e o novo, essa frase de Sophie soa verdadeira. O coração é um fardo pesado e Miyazaki parece determinado a visualizar, às vezes, todo o seu peso.
O valor da arte e do património é encontrado em todas as obras posteriores de Miyazaki. “The Wind Rises”, “The Boy and the Heron” e o documentário representam uma mudança significativa na abordagem do diretor. Seus primeiros filmes sentiram o peso da humanidade, agindo como contos de advertência sobre o que poderia acontecer se os personagens não soubessem. não chegam ao cerne da decadência do mundo, em comparação, dão uma visão e depressão em seus últimos filmes que contêm o conhecimento de que a esperança do futuro está nas mãos dos outros – nas mãos dos jovens cuja visão podemos corrigir o trauma do passado. Cuidar é um fardo, mas é nossa responsabilidade fazê-lo.
Howl não apenas acorda com a percepção de que agora deve sentir as consequências de suas ações, mas também as consequências de seus cuidados. Seu cuidado com Sophie e com a família que encontrou ao seu redor. O amor é um peso tão pesado para carregar quanto a dor ou a culpa. Acima de tudo, é o que fala daquilo que se torna os elementos-chave do trabalho de Miyazaki. Vemos a recompensa da arte e como o nosso amor e estados emocionais influenciam quem somos e o que criamos quando pensamos sobre isso.
Em muitos aspectos, “Howl’s Moving Castle” – que está comemorando seu 20º aniversário – parece a interseção perfeita de seu antigo e novo trabalho. Sophie, amaldiçoada pela Bruxa do Desperdício a uma mulher de 90 anos, oferece a dualidade de ser jovem e velho e vivencia uma certa iluminação com a idade que lhe dá força. Isto contrasta com “O Menino e a Garça”, onde a sabedoria da idade é combinada com o medo do futuro. Sophie está feliz com a falta de expectativas de ser uma jovem no corpo de uma pessoa de 90 anos. Enquanto isso, o avô, uma figura-chave em “Heron”, experimenta um medo profundo e sísmico em relação ao futuro por causa de todos os dias que viveu.
Howl perde suas amarras para a humanidade quando se transforma em uma criatura parecida com um pássaro para distrair ambos os lados da batalha que ocorre em “Howl”. Isso contrasta com Jiro em “The Wind Rises”, que lamenta que o avião dos seus sonhos tenha sido usado para a guerra. O filme em si é deslumbrante, um espetáculo visual que encapsula perfeitamente todos os elementos que Miyazaki ajudou a transformar o cineasta em seus trabalhos posteriores.
As crenças temáticas centrais e as escolhas estilísticas conectam todo o seu trabalho – desde lidar com a natureza até a inexorável persistência do tempo, a esperança encontrada nos relacionamentos e seu interesse pela aviação – mas seus filmes mais recentes servem como uma conclusão para sua longa carreira.
“The Wind Rises” e “The Boy and Heron” são as duas faces da mesma moeda. Cínico vs esotérico. Intelectual versus emocional. Dois filmes muito diferentes tentam abordar ideias semelhantes sobre o que deixamos para trás. Ambos representam o culminar dos altos e baixos das carreiras, dos sistemas de crenças e da arte. “The Wind Rises” é sobre aquilo a que as nossas paixões nos levam e, em última análise, o que as nossas criações deixam para trás. É um relato sobre como os sonhos de alguém podem abrir caminho para a destruição ou a salvação.
“O Menino e a Garça”, provavelmente o seu mais pessoal, serve de pretexto para os seus atuais arrependimentos e reflexões sobre a vida, culminando numa catarse dramática. A tristeza penetra em cada fenda de “O Menino e a Garça” sem lamento. Seu coração, aqui, está incrivelmente perdido. Perda de tempo, de entes queridos e perda de inocência que pode acontecer através da corrupção. A partir do momento em que Mahito perdeu a mãe, correndo pela cidade assustado por gritos de medo, perdeu parte da sua inocência. Seu coração está pesado agora enquanto ele viaja pelo mundo em constante mudança.
Talvez o melhor resumo de seu atual estado de espírito seja levantar o véu sobre “Hayao Miyazaki e a Garça”, detalhando sua longa e árdua experiência em dar vida ao filme de 2023. É aqui, também, que compreendemos as dores que se manifestam, presentes e feridas, no filme. Em “Heron”, Mahito lamenta sua mãe. Através deste filme, Miyazaki lamenta amigos e rivais, aqueles que vão desaparecendo de sua vida, deixando-o para trás.
Suas memórias são em grande parte faladas sobre o colega cineasta Isao Takahata (“Tumba dos Vagalumes”, “O Conto da Princesa Kaguya”) e o principal animador e colorista do Studio Ghibli, Michiyo Yasuda – o último dos quais o pressionou para dirigir “Heron”.
Ele enfrenta a dor enquanto luta contra sua idade; sua caminhada diária se depara com imagens de um jardim de infância próximo, onde crianças correm e brincam. As mensagens são claras, ainda mais quando seu produtor de longa data pergunta: “Como ele pode estar feliz com os anos que lhe restam”.
Criativamente, isso pode ser visto. Nesse caso, o luto estimula a criatividade. “Se não criarmos, não haverá nada”, disse Miyazaki. E esse desejo profundo de estar inquieto torna o amor e a perda que ele carrega muito visíveis em seu trabalho. É mais um exemplo da natureza difícil dos assuntos do coração. Nós o carregamos e ele fica maior à medida que envelhecemos. Insistimos, não podemos fazer nada.
Talvez seja por isso que “Look Back”, o filme de animação lançado recentemente, dirigido por Kiyotaka Oshiyama e baseado em um mangá de Tatsuki Fujimoto, atinge o alvo quando se trata de Miyazaki e seu legado. “Look Back” também trata do mundo dos artistas e do caminho a seguir, enquanto duas meninas enfrentam os intermináveis obstáculos da criação de arte em um campo em constante mudança. Ao observarmos o personagem principal, Fujino, pairando sobre sua mesa dia após dia enquanto busca a perfeição, ele corta uma imagem que é muito semelhante a “Heron”. Finalmente, vemos Mahito sentado em sua mesa enquanto a música “Ask Me Why” do compositor Joe Hisaishi toca pela segunda vez, enquanto ele encontra uma carta que sua falecida mãe deixou para o velho Mahito intitulada “Como vai você?”
Como você está vivendo? Ele se curvou sobre a mesa. Como você está vivendo? Através de nossas conexões, de nossos colegas e de nossos entes queridos que lutam por nós e nos desafiam. Como você está vivendo? Vivemos usando a vitalidade infinita da arte. Grande parte do trabalho recente de Miyazaki trata de como examinamos os obstáculos da vida e a passagem do tempo, especialmente aqueles que nos ligam ao passado e nos ajudam a crescer no futuro. Os filmes de Miyazaki consideram que somos responsáveis pela criação do universo em que desejamos viver e procuramos viver sem maldade ou ganância. E ainda assim o tom de “Princess Mononoke” e “Nausicaä of the Valley of the Wind” é muito diferente de “The Wind Rises” e “The Boy and the Desert”. Talvez porque os dois últimos estejam associados à dificuldade de perder.
Em muitos aspectos, “Howl’s Moving Castle” é Miyazaki no seu melhor de sempre. No entanto, 20 anos depois, é fácil perceber como este foi um ponto de viragem na sua carreira. Embora ele se concentre em personagens antigos do passado – em particular, “Porco Rosso”, “Howl”, novamente, ele se sente como um forte pivô das histórias que está tentando contar de uma perspectiva diferente. Com limitações tão ilimitadas, “uivo” injeta faísca e luz em um mundo devastado pela guerra. Mas é essa linha que une o filme e o filme de Miyazaki.
É claro que muitas falas de seus filmes tratam de temas semelhantes. Mas esse sentimento de urgência colocado no peito, a necessidade do coração e a forma como a utilizamos – para o bem, para outros que não podem, na busca pela arte – é a linha dos seus últimos trabalhos, e ainda mais poderoso por causa disso.
Entre os reinos dos sonhos de “The Wind Rises” e a ponte entre a vida, a morte e a loucura em “The Boy and Heron”, Miyazaki revela seu coração palpitante e cansado. O tamanho de seus desenhos esconde uma verdade simples: se tivermos sorte, todos nos tornaremos histórias de outra pessoa para contar, lamentar. O que nos carrega é a arte nascida das dificuldades que suportamos.
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