CIFF 2024: Vermiglio, O Pardal na Chaminé, Super Feliz Para Sempre | Festivais e Prêmios

Embora um pouco de dinheiro seja sempre apreciado, espero que a maioria dos filmes que assisto nos festivais sejam enfadonhos e pesados. É ao mesmo tempo triste e comovente ver como os criadores tentam compreender a brutalidade do mundo, desde a disfunção familiar até a perda de parentes (para citar algumas preocupações recorrentes). Esses filmes parecem especialmente apropriados para o CIFF, já que o final do festival também marca a transição quando o conforto do outono começa a se transformar no frio intenso do inverno. Os filmes desta apresentação capturam essa metamorfose da eficiência e da beleza para a escuridão profunda que se esconde abaixo.

Diretora Maura Delpero “Vermículo”, Vencedor do prémio máximo, o Hugo de Ouro, no festival, ganha elogios pela forma como torna acessíveis e convidativas as temperaturas frias das terras altas. Os primeiros momentos em que Delpero escreve são os do ritmo e das atividades cotidianas da família: ordenhar a vaca, preparar a comida e lavar a roupa. Há amor e segurança neste movimento; essas ações apoiam a comunidade e trazem felicidade. Saber seguir em frente quando esses trabalhos são interrompidos será o principal pesar da família e reforça um dos principais temas do filme sobre como quando as coisas mudam muito, elas permanecem iguais.

Ocorrendo nos momentos finais da Segunda Guerra Mundial, os personagens principais do filme são três irmãs: Lúcia (Martina Scrinzi), Ada (Rachele Potrich e Flavia (Anna Thaler). Quando Pietro (Giuseppe De Domenico), um soldado siciliano que escapou da guerra, chega à cidade, ele e Lúcia começam a se apaixonar. Essa mudança de ritmo permite relaxar e imaginar a nova realidade de cada um em graus variados, o máximo que puder para se manter forte e manter o ferro em sua família.

À medida que “Vermiglio” se aproxima da sua conclusão, apoia muitas das suas ideias, desde as maneiras pelas quais o ensino da religião pode reduzir a capacidade das pessoas até sonhar como aqueles cujos países estão em guerra nunca escaparão à sua influência, não importa como estejam divididos, através de sempre voltando a mostrar o sistema familiar. Isso evita que o filme se perca no meio de tudo o que tenta transmitir; O filme de Delpero mostra silenciosamente a mudança, mas é acompanhada por uma perturbação crescente que pode mudar e perturbar o estado actual do poder. Isto é muito evidente na forma como moldam esta comunidade como pessoas que se fortalecem pela beleza que os rodeia e são tangíveis. Ao vermos Lúcia, Ada e Flávia arando a terra, vemos o quão pequenas elas são comparadas ao tamanho da natureza ao seu redor. Há satisfação baseada no conforto familiar, mas eles também querem se libertar.

Um pouco de fotografia de disfunção familiar e outros envios da linha de frente da casa em guerra consigo mesma, Ramon Zürcher “O Pardal na Chaminé” é um filme repleto de dor, muitas vezes engraçado e profundamente desagradável na forma como retrata famílias que sentem a necessidade de esconder sua amargura por trás da felicidade. No fim de semana, duas irmãs, Karen (Maren Eggert) e Jule (Britta Hammelstein) se reúnem para comemorar o aniversário do marido de Karen, Markus (Andreas Döhler). Entre vários jantares, festas dançantes e momentos de natação, a turbulenta relação entre Karen e seus três filhos, a mais velha, Christina (Paula Schindler), a estudante do ensino médio Johanna (Lea Zoë Voss) e o mais novo, Leon (Ilja Bultmann) ameaça para derrubar a frágil paz. Embora em graus variados, Christina, Johanna e Leon não conseguem esconder seu desprezo pela mãe e Zürcher atrai o público para as camadas de seu relacionamento rompido, limitando quantas cenas de comportamento solto e constrangimento social existem. pegue.

Karen é impecável, pois muitas vezes comanda os filhos, despreza-os e os trata como servos, e não como seus próprios filhos. No início do filme, seus filhos, principalmente a fogosa Johanna, conversam com a mãe e se esgueiram entre canções doces para não incomodar Jule, seu marido Jurek (Milian Zerzawy) e sua filha Edda (Luana. Greco). ), suas brigas logo se tornam muito intensas. Ao mesmo tempo, Jule e Karen reclamam um do outro enquanto Markus tenta manter escondido seu caso com a cadela da família, Liv (Luise Heyer). À medida que vemos todas estas dúvidas e segredos colidirem primeiro com sussurros abafados e depois com palavras e corpos, Döhler pinta uma história implacável sobre o que acontece quando pessoas más dançam e são condenadas.

Muito do humor negro vem da seriedade (e violência) do diálogo, especialmente de pais para filhos. “Não pense que te amo só porque você é minha mãe”, disse Johanna certa vez a Karen; talvez a melhor comunicação entre os dois, que é mais profunda quando dita casualmente do que quando gritada. Zürcher também cria uma clara sensação de claustrofobia na bela casa onde a família está reunida, o que perturba esta ilusão de segurança e privacidade. Muitas vezes os personagens revelam entre si seus sentimentos secretos ou sentimentos em relação a outro membro da família, para mostrar à pessoa de quem estão falando que se posiciona e olha para ela fora do enquadramento.

Enquanto a maior parte da primeira metade do filme se delicia em ver as maneiras pelas quais os membros da família machucam uns aos outros (ou os animais e vizinhos que ousam contrariá-los), a segunda metade muda para uma exploração divertida e vívida da raiva, uma escolha que é ainda mais enfático. que a raiva e a frustração causadas pelos familiares são simultaneamente simbólicas e agravadas; os sentimentos que reúne são quase estranhos. É nessas sequências, onde os personagens permitem suas alucinações, visões e desejos, que Zürcher cria algumas de suas imagens mais perturbadoras (desculpe, “Tenet” e “Evil Dead Rise”, mas há uma sequência envolvendo um ralador de queijo distante. mais violento e arrepiante do que aqueles nesses filmes).

E então há “Felizes para sempre” sem dúvida o mais leve dos três, mas cujo brilho emana do centro doloroso. O diretor Kohei Igarashi divide sua narrativa entre dois períodos, 2023 e 2018, e o filme se move perfeitamente entre eles. Neste dia, Sano (Hiroki Sano) vai com seu amigo Miyata (Yoshinori Miyata) para a cidade costeira japonesa de Izu, onde em 2018, Sano conheceu e se apaixonou por sua falecida esposa, Nagi (Nairu Yamamoto). Naquela época, uma epidemia atingiu um hotel que era muito importante para Sano e Nagi, e Sano decide entrar no hotel pelos velhos tempos, na esperança de que esse ato traga de volta novas memórias e sentimentos. de propósito ou enquanto ainda luta contra sua dor. Nos momentos de reminiscência de Sano, Igarashi conta a história de como Sano e Nagi se apaixonaram, seu lindo e relacionado encontro sempre foi cheio de tragédia, se os telespectadores conhecessem o lugar de sua jornada amorosa.

O enredo de Igarashi destaca e impregna os momentos com uma complexa gama de emoções além da superfície. Ele gosta de fazer molduras que tornem os personagens cada vez menores em relação ao tamanho da beleza que os rodeia; enquanto Sano caminha de um lado para outro na mesma praia, a cena evoca uma sensação de determinação e dor; ele está sozinho em sua dor, mas há tanta beleza ao seu redor que ele sente falta se for sempre definido apenas por sua tragédia.

“Super Happy Forever” mostra com humor como as memórias estão tanto em nossos corpos quanto em nossas mentes e como visitar determinados lugares também serve como portais para uma compreensão mais rica do que pensar nas coisas em nossa cabeça. Exorta-nos a não ter medo de perder a nossa experiência por causa do tempo. Nossas memórias são como ondas quebrando na praia: desaparecem por um tempo, mas vêm em seguida.