Festival Internacional de Cinema de Tóquio 2024: Orang Ikan, fita de vídeo The Lost Child, Kiyoshi Kurosawa | Festivais e Prêmios

No começo, pensei que talvez o público não gostasse. A estreia mundial de “Peixe Laranja” no Festival Internacional de Cinema de Tóquio estava programado para começar às 11h35, o que não é exatamente um bom horário para um filme sobre criaturas. Mas às vezes é assim que acontece nos festivais. E o público é relegado ao chão, mal reagindo às cenas sangrentas em que o monstro do título, uma fera humanóide no estilo de “Criatura da Lagoa Negra”, arranca corações do peito dos homens e rasga um crocodilo ao meio. No final, houve aplausos educados.

Foi o oposto do tipo de festival que participei na América do Norte, onde torcer como se estivesse em um evento esportivo sempre que algo estranho acontece é um sinal de respeito. ‘Orang Ikan’ é sólido – não há absolutamente nenhuma gordura neste filme de 83 minutos, que reúne seus personagens prisioneiros de guerra da Segunda Guerra Mundial pelos tornozelos no estilo de ‘The Defiant Ones’. (Ou “Mãe Negra, Mãe Branca”, para o público da exploração.) O diretor Mike Wiluan atuou como produtor em “Monkey Man” e “The Night Comes for Us”, e seu filme compartilha o compromisso desses filmes com o excesso gonzo. Nada revolucionário, mas bons momentos no cinema.

E o público era se divertindo. Enquanto isso, a exibição pública excessiva é desaprovada em Tóquio, onde, enquanto o TIFF se prepara para sua 37ª edição, os prefeitos de Shibuya e Shinjuku proibiram o consumo de bebidas nas ruas no Halloween porque os moradores locais e estrangeiros estavam ficando turbulentos. (O Halloween é novo no Japão, o feriado da bebida é o Dia de São Patrício.) Não é que as pessoas aqui não gostem de se divertir: isso é óbvio apenas andando por qualquer rua cheia de bares em uma noite de sexta-feira. Existem apenas alguns lugares onde é incentivado desabafar, e um festival de cinema não é um deles.

Isso se torna realmente interessante quando esse sentimento estético discreto é compartilhado com filmes como “Orang Ikan” e “Crepúsculo dos Guerreiros: Walled In”, outra exploração interessante do gênero selecionado no TIFF deste ano. Dirigida por Johnnie To Protégè Soi Cheang, esta aventura épica é um retrocesso aos icônicos filmes de Hong Kong dos anos 80, construídos sobre os princípios de fraternidade, lealdade e proteção dos fracos.

O elenco é dividido em dois grupos de estrelas de ação: Legends (Sammo Hung, Louis Koo, Richie Jen) e Up-and-comers (Raymond Lam, Phillip Ng). Isso se encaixa na história, que segue uma batalha pelo controle entre as favelas agora demolidas da Cidade Murada de Kowloon, à medida que uma geração envelhece e uma nova entra. Os personagens são coloridos – um médico de rua que vende pornografia pirata, um gangster, um criminoso com poderes e resistência sobrenaturais – e a história é envolvente, com momentos de saudade sincera e humor leve. (O público no festival de cinema de Tóquio ri das piadas – eles não que é difícil para a multidão.)

Mas o que exatamente lança “Crepúsculo” na ação da estratosfera. Como N observou nas perguntas e respostas pós-exibição, as artes marciais sobrenaturais estão associadas ao wuxia balético e veloz. Mas “Crepúsculo” inclui habilidades mágicas (às vezes literais) para chutar e acertar ossos. E o resultado é emocionante. O coordenador de dublês Kenji Tanigaki também foi um verdadeiro quadrado no palco, tornando esta a exibição mais divertida que já estive em Tóquio – mesmo que eu tenha reprimido a vontade de me levantar e torcer.

Mas embora as reações do público aos filmes de gênero variem de acordo com a região, alguns sentimentos se traduzem entre culturas. Antes da estreia mundial de “A fita de vídeo da criança perdida”, os atores elogiaram o primeiro longa de Ryota Kondo como melhor do que filmes de terror que usam ruídos altos para chocar o público. “Eles estão falando sobre sustos”, pensei. É uma ideia que já ouvi cineastas ocidentais dizerem muitas vezes, e fiquei feliz em ver que os fãs de terror em todo o mundo estão olhando para essa habilidade, de forma barata.

E o filme de Kondo é exatamente o oposto, um exercício de terror sufocante que atinge níveis quase insuportáveis ​​antes de terminar no tipo de nota não resolvida que o segue pela montanha de um filme amaldiçoado voltando para casa. Kondo disse em sua introdução que cresceu com filmes de terror J e a influência de Hideo Nakata (“The Ring”, “Dark Water”), Kiyoshi Kurosawa (“Pulse”, Cure”) e Takashi Shimizu (“Ju .-On: The Grudge”) está repleto de “Lost Child Videotape”. Digo isso como um elogio.

Este filme tem muitas assinaturas de J-horror, incluindo a combinação de segregação urbana com terror clássico e imagens encontradas para fazer um filme narrativo. (Vou me arriscar aqui e fazer uma distinção entre “J-horror”, o movimento liderado pelo diretor mencionado acima, e o terror japonês em geral.) Yurei Os (fantasmas) que andam ao fundo, invisíveis mas ouvidos pelos personagens assustados, funcionam muito bem. Dá para perceber que Kondo tem uma crença inabalável no sobrenatural, o que permite uma absorção completa na realidade do filme.

Shimizu foi o produtor executivo de “The Missing Child Videotape”, e o clima no TIFF saudou Kondo como a próxima grande novidade no terror japonês. A popularidade do subgênero J-horror nos anos 90 e 2000 já se foi. E embora franquias populares como “The Grudge” ainda estejam mancando, há muito espaço para o novo maestro dos “shows de terror”, como são chamados em japonês, crescer no mercado interno e no exterior. Sem dúvida, tenho notado um interesse crescente pelo J-horror entre os cinéfilos mais jovens que conheço, e espero ver “Missing Child Videotape” estrear em um festival internacional em breve.

Outro diretor japonês altamente respeitado nos círculos de terror ocidentais é Kiyoshi Kurosawa, cujos filmes “The Cure” e “Pulse” são pontos altos da raiva ardente de Kondo que ele ganhou com “Missing Child Videotape”. (O fantasma embaixo da escada em “Pulse” é, para mim, a cena mais assustadora já filmada.) Kurosawa não faz apenas filmes de terror, mas o pavor atmosférico é uma de suas assinaturas. Então tive que perguntar sobre isso na sessão de perguntas e respostas de sua excelente masterclass TIFF, que explorou seu processo e filosofia de fazer cinema.

Segundo Kurosawa, a arte de dirigir consiste em saber quando abrir mão do controle. “Você pode ter muito cuidado com as coisas que lhe interessam, mas precisa saber o que deixar para os especialistas que trabalham ao seu redor”, disse ela. “Este, acredito, é o trabalho do diretor.” Ele acredita que os lugares onde as ideias criativas divergem são “o que torna o cinema tão interessante” e incentivou o público de estudantes de cinema de toda a Ásia a assistir ao maior número possível de filmes diferentes para desenvolver uma forma abreviada de transmitir as suas ideias. Mudar seus interesses “ajuda você a mudar de direção”, disse ele. “Você pode começar de um ponto e terminar em um lugar muito diferente, mas ainda assim ficará satisfeito porque verá o poder do que é possível.”

Pessoalmente, seus principais interesses também são o trabalho de câmera mise en sceneque, para ele, está intimamente relacionado ao espaço. “Para mim, o mais importante é caçar o local”, disse ele. “Na tela são apenas palavras, mas quando você tiver espaço, você pode começar a pensar [what it will look like]. Ele acrescentou: “É uma sensação muito precisa. mas se eu conseguir [the right} place, I get this urge to film that place. In the actual shoot there are going to be actors, and you see that place in the background. For me, having that in the frame is very important … The place informs the movement of the actors… when you do this in a real place, an organic place, their movements will be organic as well.”

At the end of the talk, the moderator turned the mic over to the audience. And despite my nervousness—if Kiyoshi Kurosawa called me an idiot in front of a crowd of people, I fear I might never recover—I got up and asked my one most burning question: How does he accomplish that horrifying empty-pit feeling in his films? He thought for a moment, and my stomach dropped for a different reason. Then he gave an answer befitting a master:

“Sound design creates more anxiety than the visuals: The way you construct the sound, that’s something I can be very meticulous about. But the sense of fear or foreboding, I don’t make those clear, actually. Some of you may want to make horror films—here’s a hint from me. It’s not that difficult to make something scary.  What is most foreboding is when you don’t know if it’s supposed to be scary or not. When you don’t know what you are seeing, or what that figure [in the frame] você vai… deixar o público sem uma resposta definitiva, é isso que gera tensão. se você quer que o público tenha medo, não tente deixá-lo com medo.”